Al igual que la imagen de la entrada titulada “Paisaje Alpino”, tome esta foto en mi viaje por los Alpes en el 2008. En este caso nos encontramos en Francia, en Chamonix, junto al glaciar de la Mer du Glace. La fotografía muestra la llegada al puerto de montaña del viejo tren cremallera, único medio de transporte mecánico que sube al pequeño complejo.
Esta foto me gusta particularmente por su composición: el gastado vehículo en acusado escorzo avanzando sobre el viaducto de piedra, la escarpada ladera poblada de abetos y, al fondo, las sobrias construcciones de Chamonix enmarcadas por los picos. Más allá, sólo la inmensidad azul del cielo.
Observándola, casi puedes sentir la brisa fresca de la montaña, respirar el aire puro de la naturaleza virgen y disfrutar del silencio sólo interrumpido por el tenue traqueteo del tren que se aleja.
Tomé esta foto en los Alpes suizos durante el verano del 2008. En el primer término de este paisaje aparece la pradera de Caschwandtenmand, que se extiende hasta los imponentes picos alpinos que abrazan el circo de un antiguo glaciar.
Entre las fotografías de paisajes alpinos que tomé en Suiza esta me gusta especialmente. Tal vez sea por el vivo colorido y la increíble gama de verdes y azules que nos muestra. O tal vez sea por el modo en que el valle glaciar hace que se fundan la llanura y las escarpadas montañas.
Sea como fuere, lo que es innegable es que este maravilloso panorama consigue transmitirme una calma y una tranquilidad impresionantes y convencerme de lo pequeño del hombre en comparación con la increíble belleza de la naturaleza.
Tomé esta foto hace poco más de tres años en Trragona. Es una imagen que siempre me ha gustado mucho. Aunque se ve un poco borrosa, y las horizontales no están del todo rectas; se forman dos franjas casi iguales, separadas por una banda central.
A parte de por la composición, me gusta la fotografía porque solo aparecen dos colores, el azul y el gris; que cambian la tonalidad por bandas. El azul más claro aparece en el cielo; y el gris más oscuro en la barandilla; junto con el azul más profundo, que corresponde al mar. La gama de grises se desarrolla en la mitad inferior de la foto.
Esta es la portada del cd debut del grupo de Manchester “The Stone Roses”, de título homónimo, que salió en 1989. El grupo fue de los más importantes en la escena rock del momento, y en concreto su primer álbum está considerado de los mejores del rock británico.
La portada está diseñada por uno de los componentes del grupo, John Squire, que junto con Ian Brown, era el principal compositor de la banda. Aparte de músico y compositor, John Squire es también pintor. La cáratula de “The Stone Roses” utiliza su obra “Bye Bye Badman” (1988), un cuadro inspirado en los disturbios de París en Mayo de 1968.
"Bye Bye, Badman" (1988)
Su obra está marcada por la influencia del “action painting” que instauró el pintor estadounidense y padre del expresionismo abstracto Jackson Pollock. El expresionismo abstracto consiste simplemente en expresar lo que se siente mediante la pintura, sin querer reflejar en ella referencias externas o simbología; al menos así lo describía el propio Pollock. Pese a esto, el cuadro de Squire está claramente inspirado en un hecho social, y además contiene una referencia externa bastante clara: la bandera de Francia invertida –bleu, blanc, rouge-, que en realidad en el lienzo forma la bandera de Holanda –rojo, blanco y azul-, si lee en el sentido corriente. Más concretamente, el “action painting” tiene que ver con el automatismo. Esta técnica pictórica consiste en involucrarse activamente en la pintura, intentando formar parte del propio cuadro mientras se pinta este.
Aquí os dejo una de las obras más conocidas de Pollock, “Number 31” (1950):
Y una de las canciones más conocidas de “The Stone Roses”, “I Wanna Be Adored”:
Al hablar de la relación entre arte y publicidad, lo primero que nos viene a la cabeza ha de ser inevitablemente la famosa lata de sopa de tomate marca Campbell pintada por Warhol y que es sin duda una de las obras más reproducidas del siglo pasado.
El Pop Art es probablemente la corriente artística que más ligada ha estado a la publicidad, no como instrumento publicitario, sino como usuario de los logos y eslóganes publicitarios para crear un arte nuevo, fresco y colorido. Se desarrolló principalmente en EE.UU. y el Reino unido a partir de los años 50, pero dista mucho de ser un estilo ya dejado atrás y que sólo se puede estudiar en retrospectiva.
El autor al que quiero dedicar este artículo es Antonio de Felipe, nacido en Valencia en 1965 y que actualmente es uno de los artistas españoles de mayor reconocimiento internacional.
Enmarcado dentro del Arte Pop, ha considerado siempre la publicidad como una interminable fuente de recursos e inspiración para sus cuadros, siendo su obra un contrapunto actual y próximo que hace que el Pop Art nos resulte una tendencia todavía más atractiva y desenfadada.
De esta manera, en series como “Logotipos”, “Vacas” o “Popsport” símbolos y anuncios que hemos visto hasta la saciedad en televisión, prensa o en vallas publicitarias, se convierten en participantes activos de los cuadros.
Esta imagen está tomada en el castro de Formigueiros; un antiguo poblado celta perdidoen la provincia de Lugo, cerca de Samos. El poblado se encuentra en la cima de una pequeña colina, desde la que se disfruta de la vista que nos ofrece la fotografía.
Hice la foto en verano, pero en el castro no solía hacer calor. Los días más fríos, cuando más humedad había en el ambiente, se formaba una densa niebla alrededor del poblado, y desde dentro prácticamente no se podía ver más allá de la muralla del castro.
La imagen que he elegido, sin embargo, refleja un momento del día en el que la niebla había abandonado el poblado, para posarse en los valles que rodean la colina.
Aquí veis una imagen que he encontrado de una campaña publicitaria de la compañía de chicles Orbit. Está interesante porque hace referencia al trabajo Pop Art del estadounidense Andy Warhol.
El anuncio se inspira en las clásicas obras de Warhol en las que el artista combina cuatro elementos iguales y cambia los colores que lo definen; aunque en esta imagen uno de los elementos aparece cambiado. Además, el componente que se repite es un plátano, que es también una de las obras de Warhol. “El Plátano” es una obra de Warhol conocida por ser utilizada en la portada de una cd de una banda desconocida en ese momento, y de la que el artista era el manager, “The Velvet Underground”. El cd en el que aparecía el plátano se titulaba “The Velvet Underground and Nico” (1967). Nico era una modelo alemana que Warhol introdujo en el grupo en 1967, y que abandonó la formación ese mismo año, por lo que los servicios del artista dejaron de ser necesitados.
En relación a las campañas publicitarias de Orbit, he encontrado otra imagen que me ha llamado la atención:
Cuando la he visto me ha recordado inevitablemente a las obras del pintor René Magritte; en concreto a esta obra:
Aquí os dejo una de las obras más conocidas de Magritte, y que a mi me gusta especialmente, “El Hijo del Hombre” (1964):
Si os gusta el cine, seguro que habéis visto “2001, una Odisea en el Espacio” (1968). Se trata de las obras maestras de Stanley Kubrick, y reconozco que también es una de mis películas favoritas. Tal vez sea un poco compleja, y algo difícil de ver; pero la fotografía, la banda sonora, los decorados… tienen un nivel difícil de igualar; además de que la película tiene un gran rigor científico en muchos aspectos; como la falta de sonido en el espacio.
Como decía, uno de los motivos que hacen más que recomendable la película es la escenografía. Kubrick cuidó mucho los decorados en esta película, y como en la “Naranja Mecánica”, hace gala de un diseño futurista y elegante.
El arquitecto finlandés Eero Saarinen tuvo algo que ver en 2001. En momento de la película, varios personajes se encuentran hablando en una estación espacial. En esta escena, los muebles que decoran la sala fueron diseñados por el finés.
Aquí tenéis algunos ejemplos de los muebles de Saarinen:
Para los que no lo conozcáis, Eero Saarinen es un arquitecto finlandés, que estudió escultura en París y Arquitectura en Yale. Es conocido por sus diseños de mobiliario, y por obras arquitectónicas como las siguientes:
Terminal TWA, JFK; Nueva York (1962
"Jefferson National Expansion Memorial"; Saint Louis, Missouri (1963-1965)
Además, Saarinen es muy conocido por su famosa “Tulip Chair” que apareció en la serie “Star Treck” (1966-1969) –aunque en la serie se ve modificada con un respaldo desde mi punto de vista un tanto falto de gusto-.
La palabras son la base de la canción, siendo la poesia la mezcla de la cancion transferido a simples palabras con ritmo entre ellas. Muchos artistas han utilizado a los poetas clasicos como base para sus canciones:
Joan Manuel Serrat:
Cantares (Antonio Machado)
Todo pasa y todo queda, pero lo nuestro es pasar, pasar haciendo caminos, caminos sobre el mar. .. Nunca persequí la gloria, ni dejar en la memoria de los homres mi canción; yo amo los mundos sutiles, ingrávidos y gentiles, como pompas de jabón. . Me gusta verlos pintarse de sol y grana, volar bajo el cielo azul, temblar súbitamente y quebrarse... . Nunca perseguí la gloria. . Caminante, son tus huellas el camino y nada más; caminante, no hay camino, se hace camino al andar. . Al andar se hace camino y al volver la vista atrás se ve la senda que nunca se ha de volver a pisar. . Caminante no hay camino sino estelas en la mar... . Hace algún tiempo en ese lugar donde hoy los bosques se visten de espinos se oyó la voz de un poeta gritar "Caminante no hay camino, se hace camino al andar..." . Golpe a golpe, verso a verso... . Murió el poeta lejos del hogar. Le cubre el polvo de un país vecino. Al alejarse le vieron llorar. "Caminante no hay camino, se hace camino al andar..." . Golpe a golpe, verso a verso... . Cuando el jilguero no puede cantar. Cuando el poeta es un peregrino, cuando de nada nos sirve rezar. "Caminante no hay camino, se hace camino al andar..." . Golpe a golpe, verso a verso.
Nanas de Cebolla (Miguel Hernandez)
La cebolla es escarcha cerrada y pobre: escarcha de tus días y de mis noches. Hambre y cebolla: hielo negro y escarcha grande y redonda.
En la cuna del hambre mi niño estaba. Con sangre de cebolla se amamantaba. Pero tu sangre, escarchada de azúcar, cebolla y hambre.
Una mujer morena, resuelta en luna, se derrama hilo a hilo sobre la cuna. Ríete, niño, que te tragas la luna cuando es preciso.
Alondra de mi casa, ríete mucho. Es tu risa en los ojos la luz del mundo. Ríete tanto que en el alma al oírte, bata el espacio.
Tu risa me hace libre, me pone alas. Soledades me quita, cárcel me arranca. Boca que vuela, corazón que en tus labios relampaguea.
Es tu risa la espada más victoriosa. Vencedor de las flores y las alondras. Rival del sol. Porvenir de mis huesos y de mi amor.
La carne aleteante, súbito el párpado, el vivir como nunca coloreado. ¡Cuánto jilguero se remonta, aletea, desde tu cuerpo!
Desperté de ser niño. Nunca despiertes. Triste llevo la boca. Ríete siempre. Siempre en la cuna, defendiendo la risa pluma por pluma.
Ser de vuelo tan alto, tan extendido, que tu carne parece cielo cernido. ¡Si yo pudiera remontarme al origen de tu carrera!
Al octavo mes ríes con cinco azahares. Con cinco diminutas ferocidades. Con cinco dientes como cinco jazmines adolescentes.
Frontera de los besos serán mañana, cuando en la dentadura sientas un arma. Sientas un fuego correr dientes abajo buscando el centro.
Vuela niño en la doble luna del pecho. Él, triste de cebolla. Tú, satisfecho. No te derrumbes. No sepas lo que pasa ni lo que ocurre.
Antonio Carmona y Manzanita
Verde que te quiero verde (Federico Garcia Lorca)
Verde que te quiero verde. Verde viento. Verdes ramas. El barco sobre la mar y el caballo en la montaña. Con la sombra en la cintura ella sueña en su baranda, verde carne, pelo verde, con ojos de fría plata. Verde que te quiero verde. Bajo la luna gitana, las cosas le están mirando y ella no puede mirarlas.
*
Verde que te quiero verde. Grandes estrellas de escarcha, vienen con el pez de sombra que abre el camino del alba. La higuera frota su viento con la lija de sus ramas, y el monte, gato garduño, eriza sus pitas agrias. ¿Pero quién vendrá? ¿Y por dónde...? Ella sigue en su baranda, verde carne, pelo verde, soñando en la mar amarga.
*
Compadre, quiero cambiar mi caballo por su casa, mi montura por su espejo, mi cuchillo por su manta. Compadre, vengo sangrando, desde los montes de Cabra. Si yo pudiera, mocito, ese trato se cerraba. Pero yo ya no soy yo, ni mi casa es ya mi casa. Compadre, quiero morir decentemente en mi cama. De acero, si puede ser, con las sábanas de holanda. ¿No ves la herida que tengo desde el pecho a la garganta? Trescientas rosas morenas lleva tu pechera blanca. Tu sangre rezuma y huele alrededor de tu faja. Pero yo ya no soy yo, ni mi casa es ya mi casa. Dejadme subir al menos hasta las altas barandas, dejadme subir, dejadme, hasta las verdes barandas. Barandales de la luna por donde retumba el agua.
*
Ya suben los dos compadres hacia las altas barandas. Dejando un rastro de sangre. Dejando un rastro de lágrimas. Temblaban en los tejados farolillos de hojalata. Mil panderos de cristal, herían la madrugada.
*
Verde que te quiero verde, verde viento, verdes ramas. Los dos compadres subieron. El largo viento, dejaba en la boca un raro gusto de hiel, de menta y de albahaca. ¡Compadre! ¿Dónde está, dime? ¿Dónde está mi niña amarga? ¡Cuántas veces te esperó! ¡Cuántas veces te esperara, cara fresca, negro pelo, en esta verde baranda!
*
Sobre el rostro del aljibe se mecía la gitana. Verde carne, pelo verde, con ojos de fría plata. Un carámbano de luna la sostiene sobre el agua. La noche su puso íntima como una pequeña plaza. Guardias civiles borrachos, en la puerta golpeaban. Verde que te quiero verde. Verde viento. Verdes ramas. El barco sobre la mar. Y el caballo en la montaña.
Me gustaria continuar comentando más, pero seria demasiado extenso. Sin embargo muchos poemas de autores de la Generación del 27 son canciones que oimos y no nos damos cuenta hasta que realmente las escuchamos.
La vida hoy tiene ritmo de ondas que pasan, de olitas temblorosas que fluyen y se alcanzan. La vida hoy tiene el ritmo de los ríos, la risa de las aguas que entre los verdes junquerales corren, y entre las verdes cañas. Sueño florido lleva el manso viento; bulle la savia joven en las nuevas ramas; tiemblan alas y frondas, y la mirada sagital del águila no encuentra presa... Treme el campo en sueños, vibra el sol como un arpa. ¡Fugitiva ilusión de ojos guerreros, que por las selvas pasas a la hora del cenit: tiemble en mi pecho el oro de tu aljaba! En tus labios florece la alegría de los campos en flor; tu veste alada aroman las primeras velloritas, las violetas perfuman tus sandalias. Yo he seguido tus pasos en el viejo bosque, arrebatados tras la corza rápida, y los ágiles músculos rosados de tus piernas silvestres entre verdes ramas. ¡Pasajera ilusión de ojos guerreros que por las selvas pasas cuando la tierra reverdece y ríen los ríos en las cañas! ¡Tiemble en mi pecho el oro que llevas en tu aljaba!
Antonio Machado
La vida hoy tiene ritmo
Esta foto la tome en el museo Chillida Leku en el Pais Vasco. En esta obra de Chillida se observa la armonia entre el elemento de acero, trabajado a base de calor y esfuerzo, y la naturaleza alrededor, moldeada por viento y agua. Ambas tienen vida, solo que a una le ha sido dada por el hombre y a la otra por la madre Tierra.
La imagen es la portada del álbum “An End Has a Start” del grupo británico de indie rock Editors, que salió a la venta en 2007.
Esta portada corresponde al cuadro del artista también británico Idris Khan (Birmingham, 1978) “Homage to bernd becher” también del año 2007, solo que ligeramente modificado. En el cuadro original, no hay gama de colores, y cambia un poco el formato además, el cuadro en blanco y negro es más alargado.
"Homage to Bernd Becher", Idris Khan. 2007
Idris Khan trabaja con fotografías de obras de otros artistas, que posteriormente modifica para ofrecer su particular visión. En el caso de la portada de Editors, la fotografía corresponde a una serie de imágnes modificadas por Khan del matrimonio Bernd y Hilla Becher, que realizaron fotografías de estructuras industriales. Este trabajo de Khan se realizó poco después de la muerte de Bernd Becher en 2007.
Ejemplo de la obra sobre estructuras industriales del matrimonio Becher
En el caso de Editors, el grupo también utiliza la obra de Khan para la portada de los “singles” que se fueron publicando.
"Singles" de Editors lanzados entre 2006 y 2007, con portadas de Khan.
Os dejo otras obas de Khan, por si os interesan. El artista también suele combinar sus fotografías con textos como el Corán, o líneas de Nietzsche.
"Every... Page of the Holy Koran", Idris Khan. 2004
"Every... William Turner Postcard from Tate Britain", Idris Khan. 2004
Si os gusta el indie rock, os recomiendo que escuchéis a Editors. No es de mis grupos favoritos, pero están bien, en concreto me gusta el álbum “An End Has a Start”. En su último álbum, de 2009, “In This Light and on This Evening”, el grupo cambia un poco el estilo incorporando sintetizadores en sus canciones. “An End Has a Start”, o “Papillon” son canciones que os podrían interesar si os gusta este estilo de música.
Tomé esta fotografía en el verano de 2008. Ese año estuve en Vancouver cuatro semanas aprendiendo inglés; en concreto en el mes de julio y unos pocos días de agosto. Fueallí donde hice la foto.
La imagen corresponde a los pies un paseo marítimo que comunica dos de las playas de Vancouver. Bajo del paseo, que se elevaba unos metros sobre el nivel del mar, aparecían las rocas que veis en la foto, que se cubrían de agua los días de marea alta. El resto de los días en los que marea lo permitía, un hombre se dedicaba a colocar algunas piedras como las podéis observar en la foto, formando esas curiosas “esculturas” de un gris redondo, que parecen desafiar al equilibrio y a la gravedad.
En la imagen solo aparecen dos “estatuas”, pero en esa pequeña playa de rocas había muchísimas: más altas y más bajas, realizadas con piedras de mayor o menor tamaño. Al principio yo creía que esas piedras estaban fijadas con algún tipo de argamasa, pero estaba equivocado. Todos los días el “artista” que colocaba de esa manera las piedras, se levantaba por la mañana y equilibraba, sin trampa ni cartón, sus “esculturas”, para que después los turistas que paseaban por allí dispuestos a ir a la playa las contemplaran.
Cuando vi esto, me causó mucha impresión. No sé muy bien porqué. A lo mejor por la sensación de ligereza que transmiten, o tal vez por la serenidad que desprenden. Además,me parece interesante que cada día muchas de las esculturas sean distintas, ya que por la noche, muchas de ellas caen a causa de las olas o el viento. Es como si todos los días te encuentres lo mismo en el mismo paseo; pero al mismo tiempo, todos los días es algo distinto.
Una vez acabado el campeonato del mundo de F1 empieza la nueva temporada y los equipos hacen exhibición y empiezan a probar nuevos coches y componentes para la siguiente temporada y se desplazan por distintos circuitos del mundo para realizar varias pruebas. Los aficionados podemos aprovechar para ver una pequeña parte de este deporte y disfrutar con ello. Por eso el equipo Ferrari organiza la semana del 22-28 de noviembre en Valencia unas carreras oficiales acompañadas de una serie de exhibiciones, tanto en circuito como en las calles, de los coches usados en competición y algunos modelos comerciales para publicitarlos. Y el día 24 se expuso algunos de sus modelos, como si de obras de arte se tratara, en las calles de Valencia. En esta exhibición los pilotos Luca Badoer (probador de F1), el propio Alvaro Barba y el piloto italiano Maurizzio Mediani han sido los encargados de conducir los coches durante la sesión, que se ha completado con una exposición, en la Plaza del Ayuntamiento de la ciudad. Los coches expuestos por la escudería Ferrari fueron un F1, un F430 GT2, un F430 Challenge, un 599XX y un Ferrari California.Además se podía ver como trabajaban los ingenieros en un paddock de Formula 1. Esto tuvo lugar en el Paseo de la Alameda, en el tramo comprendido entre la Plaza Europa y el Puente de l'Assut de l'Or. Estos coches unen en uno la ingeniería mas avanzada con el diseño y aerodinámica, para conseguir las mejores prestaciones y belleza en sus modelos. Para mi algunos coches son verdaderas obras de arte y deberían ser expuestas en museos. En un famoso programa de la televisión, Top Gear, donde comparan y prueban coches, fueron a la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno en Edimburgo para preguntar a unos expertos en arte cual de los tres coches propuestos seria digno de exponerse en el museo. Es un video divertido porque cada uno argumenta a favor de su coche intentando relacionarlo con estilos artísticos y atacando a los coches de sus compañeros.
Para los aficionados a los coches anuncio que la Feria del Automóvil de Valencia es del 4- 8 diciembre.
Una vez presentado al autor pasare a hablar un poco sobre su obre Nevando Tinta expuesta en el MuVIM.
‘Nevando Tinta’ es un proyecto realizado con un papel especial, un papel irrompible que utilizó para el diseño de un zapato desechable cuando residía en Montreal, Canadá,
y tinta. Inicialmente la obra era toda en blanco y negro y en los últimos años introdujo el color.Esto lo hizo porque consideraba que en algunos conceptos el aporte del color daba más fuerza a la imagen. También introdujo ideas más comprometidas como las minas antipersonas, la Paz, la guerra, la ecología, etc.…
La exposición se situaba en una sala amplia, en el hall del MuVIM, con gran iluminación natural. La disposición de la obra era en pared en grandes paneles o paredes provisionales enforma de C y otra recta.
En una entrevista a la siguiente pregunta Fernando Medina respondió lo siguiente:
¿Cómo se consigue “comunicar ideas y pensamientos a través de conceptos gráficos”con un punto de vista social?
Pienso que esto te lo da la experiencia y la manera de ver la sociedad desarrollando un ojo crítico frente al sistema en el cual estamos sumergidos. Todo esto funciona como una alquimia. Es un proceso que trata de traducir la consciencia en un lenguaje visual.
En mi opinión ha conseguido transmitir muy bien sus ideas al lenguaje visual, puesto que a mi parecer la obra se entiende con facilidad, y a pesar de la sencillez de los cuadros transmiten muy bien lo que quería decir el autor y hacen que el espectador piense sobre el tema.
