Arte "aviagrado"
He decidido dedicar mi primera entrada en “Els Peus als Núvols” al jazz. Supongo que es un género que conoceréis; pero aún así, es un estilo del que merece la pena hablar.
Descubrí el jazz hará cosa de un año. Siempre me había atraído, (desde que tengo algo de conciencia musical); pero nunca me había parado a escuchar nada en serio. El desencadenador que me movió a empezar a interesarme por este tipo de música fue la arquitectura.
Como podréis imaginar, y como bien sabrán mis compañeros de estudios, en arquitectura hay que dibujar; y mucho. Soy de esas personas a las que les gusta dibujar escuchando algo de música de fondo; y un día decidí dibujar escuchando jazz, para ver que tal. Así que busqué en last.fm artistas característicos de este género, y encontré a Miles Davis y a John Coltrane.
Desde que los escuché por primera vez, me di cuenta de su gran habilidad y maestría. Cuando escuchas a alguno de los dos, no necesitas saber o entender de jazz, ni siquiera de música.
Ambos artistas nacieron en 1926, y fueron –y todavía son- de los más importantes e influyentes en el mundo del jazz. Compositores los dos, Davis era trompetista, mientras que Coltrane tocaba el saxo. Coincidieron en habilidad, y compartieron vicios, ya que ambos consumieron heroína en algún momento de su carrera. Coltrane y Davis participaron juntos en varios álbumes; siendo el más destacado el llamado “Kind of Blue” (1959), del que se dice que es la obra maestra de Miles Davis.
.jpg)
“Kind of Blue” es considerado uno de los mejores álbumes de jazz de todos los tiempos, y se cree que es el que más copias ha vendido de este género. Es mucho lo que puede decir de este trabajo; pero quizá lo más remarcable sea que se trata del primer álbum de jazz modal de la historia.
El jazz modal es un género que surgió a partir del bebop, el hard bop, y el cool jazz; estilos basados en la tonalidad y en las escalas tonales. Existen distintas escalas diatónicas, que están supeditadas a una nota, llamada tónica o clave (key en inglés) –que es la primera y sirve de base para la escala-. Antes del jazz modal, las composiciones de jazz solían partir de una melodía que ideaba un compositor; y a partir de la escala que marcara la melodía (llamada head), los jazzistas improvisaban los solos. Un modo es, como una escala, una serie de relaciones entre intervalos que se pueden trasponer. La diferencia entre estos dos conceptos es que en las escalas tonales los semitonos –notas musicales que sirven para armonizar- se tocan entre la tercera y la cuarta nota de la escala, y entre la séptima y la octava; mientras que en la modalidad se tocan siempre entre el mi y el fa, y el si y el do; independientemente de su orden en la escala. Cabe destacar que en los modos no hay notas tónicas (claves) absolutas, ya que éstas pueden ir cambiando según lo desee el músico.
El hecho que Miles Davis se interesara por los modos tiene una explicación, que radica en la facilidad de improvisación. En las escalas tonales, es muy difícil cambiar de escala siguiendo una canción, porque hay que armonizar siempre entre la tercera y la cuarta nota; mientras que en el sistema modal, cambiar de escala es fácil, ya que hay que armonizar entre el mi y el fa, independientemente de en la posición en que aparezcan. Las escalas modales contienen menos acordes que las escalas tonales, pero a cambio permiten una melodía más larga, y las notas suenan siempre naturales. Los modos empezaron a utilizarse en la antigua Grecia, pero se perdieron en la Edad Media, y aunque se recuperaron en el renacimiento, el “Kind of Blue” de 1959 es el primer álbum en integrar el concepto de modalidad de una manera tan clara.
Antes del “Kind of Blue”, Davis practicó la modalidad en su canción “Milestones” (1958); pero quien indujo a Davis a investigar la modalidad fue George Russell y su publicación “Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization” (entre finales de los cuarenta y principios de los cincuenta). Davis estudió esta obra, y asimiló y desarrolló sus conceptos originando el jazz modal.
Otro de los hechos que hace que “Kind of Blue” sea una obra tan espectacular es que fue gravada únicamente en dos sesiones; y además, los músicos desconocían que era lo que iban a grabar. Miles Davis les entregó horas antes una serie de esbozos y escalas sobre las que improvisar, y una vez en el estudio, dio las instrucciones finales que debían seguir en las cinco canciones que compondrían el álbum.
Parece increíble que un álbum de la repercusión del “Kind of Blue” haya sido grabado sin ensayar; aunque si algo hizo posible esto fueron los impresionantes músicos que acompañaron a Davis en la grabación: John Coltrane en el saxo tenor, Julian “Cannonball” Adderly en el saxo alto, y Bill Evans (uno de los más importantes teclistas de jazz del momento) al piano. Menos conocidos que los anteriores, pero no por eso de nivel inferior, también intervinieron Paul Chambers en el contrabajo i James Cobb en la batería. Davis figura como compositor del álbum, pero lo cierto es que se cree que Evans también compuso alguna canción, y ayudo al trompetista en la tarea compositiva.
“Kind of Blue” tiene un sonido muy peculiar. Tiene la frescura propia de una pieza improvisada, pero la solidez de un trabajo muy estudiado. Por si fuera poco, los solos son casi perfectos, rebosando el virtuosismo de Davis y Coltrane, pero también del resto del equipo. La trompeta de Davis tiene su característico sonido, generado por una sordina “Harmon”, que el trompetista solía utilizar. Tocando, Davis es más refinado y suave; mientras que Coltrane rebosa fuerza, energía y velocidad. Se dice que ésta manera de ser sobre el escenario se invertía en la vida real; ya que según se comenta, Davis era engreído, y le gustaba llamar la atención; mientras que Coltrane era callado y discreto. En mi opinión, creo que Evans y Cobb hacen un gran trabajo al piano y al contrabajo respectivamente, ya que dan mucho cuerpo a las canciones. Adderly y Chambers también interpretan un papel fantástico: realmente, te fijes en lo que te fijes, es un álbum agradable de escuchar y de un virtuosismo genial.
Os dejo un enlace a la primera canción del álbum, “So What”. Es la canción inicial, y presenta el tono que seguirá el álbum. Se trata de las piezas más reconocidas del jazz, así que spero que la disfrutéis:
Después de “Kind of Blue”, hubo una revolución en torno al jazz modal, y los grandes jazzistas pusieron su pequeño grano de arena. Coltrane por ejemplo, exprimió su energía en “My Favourite Things” (1961); y en el álbum “A Love Supreme” (1965), del que se dice que es el mejor trabajo de Coltrane, y que posee un marcado toque espiritual –de hecho, en el último movimiento del trabajo, Coltrane toca las palabras de un poema devoto; no las recita, sólo las toca con el saxo-.
En cuanto a Coltrane, os dejo una de sus canciones más conocidas: “Blue Train”. Pertence al álbum del mismo título, del año 1957:
En relación al jazz modal y al “Kind of Blue” podréis notar diferencias, sobretodo en cuanto a los cambios. Esto es porque el álbum no es de jazz modal, sino de hard bop, el estilo predominante antes de la llegada de la modalidad al jazz.
.jpg)
“Blue Train” tiene la típica fuerza al saxo de Coltrane, que imprime bastante velocidad en sus solos, aunque el resto del grupo lo hace también muy bien, como por ejemplo el trompetista Lee Morgan.
Finalmente, me gustaría acabar con una canción de Jamie Cullum: “Music Is through”, del álbum “The Pursuit” (2009). Pertenece al estilo conocido como “crossover jazz”. En la música, normalmente, el adjetivo ”crossover” indica fusión, o mezcla de distintos estilos. En el caso de Jamie Cullum, podréis observar un teclado que recuerda al jazz, pero también elementos que recuerdan al pop o al “rhythm and blues”, como por ejemplo el hecho de que Cullum cante, o los ritmos que marca la batería. No sé si esta canción se podría calificar como jazz; pero creo que algo tiene de este estilo, además de ser pegadiza, y tener un ritmo de piano muy interesante; confío en que os guste:
En resumen, el jazz es un género que merece la pena conocer, y que ha marcado otros estilos, y a otros muchos artistas. Espero haberos transmitido mi atracción hacia este tipo de música, o al menos haberos mostrado algo que os haya gustado.
Si queréis más información acerca de tonalidad-modalidad, improvisación o jazz modal podéis consultar las siguientes páginas:
http://www.scribd.com/doc/25590124/TeoriaMusical-y-Armonia-Moderna-Vol-2
http://www.csmcordoba.com/revista-musicalia/musicalia-numero-3/196
La luz de las Imágenes es una fundación creada por iniciativa de la Generalitat para la recuperación y conservación del patrimonio histórico-artístico valenciano. A lo largo de sus diez años de vida, la Fundación ha restaurado más de 2500 obras de arte, entre pintura, escultura, textil, orfebrería y documentos y hasta 48 edificios monumentales. Desde su creación, se han realizado nueve exposiciones distribuidas por las distintas diócesis de la Comunidad Valenciana.
Para esta décima edición, llamada la Gloria del Barroco y ubicada en la diócesis de Valencia, se han restaurado 144 piezas, así como las iglesias de San Esteban Protomártir, San Martín Obispo y San Antonio Abad, y San Juan de la Cruz, de la ciudad de Valencia.
La visita parte del museo del Almudín, donde está el punto de venta de las entradas y una breve exposición sobre técnicas de restauración y sobre los diez años de labor de la Fundación. Un grupo ha iniciado la visita justo antes que el nuestro así que, aunque el orden de la exposición es el inverso, la guía nos conduce a la última iglesia del recorrido: San Juan de la Cruz.
Este templo, colindante con el Palacio del Marqués de Dos Aguas, fue la antigua parroquia de San Andrés y es propiedad de la Orden de los Carmelitas desde 1952. El edificio medieval fue construido sobre los restos de una mezquita, y era transversal al actual. No obstante, fue reedificado en el siglo XVII como una iglesia de una sola nave con capillas laterales entre contrafuertes y cabecera poligonal. La decoración barroca data del siglo XVIII y está realizada a base de estucos y plata corlada.
Cabe destacar la decoración del imafronte (cara interior de la fachada principal), de iconografía pagana, sobre la que se especula que puede presentar a los dioses griegos Cronos y Hera, rodeados de cuatro virtudes. La obra artística expuesta en el recinto está centrada en la figura de la Mare de Déu, con obras de Ignacio de Vergara, Alonso Cano, Joan de Joanes y Espinosa, entre otros.
Desde el primer edificio, una cenefa blanca pintada en el suelo de las calles céntricas de la ciudad, marca el recorrido de la exposición y nos lleva a la iglesia de San Martín Obispo y San Antonio Abad. Situada en plena calle San Vicente y construida en el siglo XIII en estilo gótico, consta de una única nave sin crucero, redecorada con lunetos en la época barroca, capillas laterales entre contrafuertes y bóveda de crucería entre nervaduras. En el siglo XVIII, el interior se redecora con un zócalo de cornisa de mármol rojizo y con dieciséis columnas con capiteles corintios que disimulan los estribos góticos.
Sin embargo, el elemento más impresionante del templo es una bóveda de horno formada por molduras y casetones e inspirada en la del Panteón de Agripa. Los relieves escultóricos contenidos en los casetones representan los estratos celestiales como tránsito a la Gloria: Los apóstoles en el friso, virtudes y santas, profetas y por último, ángeles músicos para llegar a la linterna oval, en la que encontramos representada a la paloma, símbolo del Espíritu Santo. Es realmente impactante subir por la plataforma instalada en el ábside del templo, hasta la altura del arranque de la bóveda y contemplar la totalidad del recinto desde las alturas.
Entre las obras muebles expuestas en este templo, aparece una exposición de imaginería barroca valenciana y una serie de piezas textiles y documentos. En una de las capillas laterales se encuentra una de las obras más destacables de la exposición, una lámpara de cristal, realizada en el siglo XVII para la basílica de San Pedro, que incluye un libro de instrucciones que explica cómo transformarla en una custodia procesional.
La última sede que visitamos es la iglesia de san Esteban Protomártir, templo donde se casaron las hijas del Cid y donde éste fue enterrado antes de su traslado a Burgos. Es un templo de una sola nave de seis tramos, capillas entre contrafuertes, presbiterio poligonal sin crucero y cubierta de bóveda ojival de crucería. La redecoración barroca del edificio, data a finales del siglo XVII, cuenta con estucos y esgrafiados policromados representando motivos vegetales como flores y hojas de acanto. Rompen con la decoración barroca de la iglesia el presbiterio neoclásico y los frescos góticos que, durante las labores de restauración, se encontraron en una de las capillas laterales. Situada a los pies del templo, entre las dos puertas gemelas, encontramos una capilla consagrada a San Vicente Ferrer, donde se expone su pila bautismal, donde también fue bautizado San Luís Beltrán.
La obra expuesta en el edificio, donde acaba el recorrido, es básicamente una selección de pintura tenebrista, entre la que podemos destacar obras de Francesc Ribalta, Rubens, Josep de Ribera o Espinosa.
La exposición permanecerá abierta hasta el 12 de Octubre, con un precio de entrada de 3 euros y descuento con Carnet Jove; se pueden reservar visitas guiadas sin coste añadido. Por su interés tanto arquitectónico como artístico e histórico, me parece una muestra de obligada visita.
.jpg){kind=link}
